Kievuz

Английская живопись

Английская школа живописи — Letopisi.ru

Английская живопись

Материал из Letopisi.Ru — «Время вернуться домой»

Английское искусство не укладывается в европейскую схему смены стилей по этапам.

В искусстве английских художников стили смешивались в творчестве индивидуальных художников, образовывали причудливые стилистические конгломераты.

Особенностью английской национальной культуры является наличие в ней ярких индивидуальностей, гениев, великих мастеров, между которыми зияют глубокие провалы.

17-18 век

Рождение национальной школы живописи относится к первой половине 18 века. В это время английская общественная жизнь получила мощный толчок в своем прогрессивном развитии. Промышленная революция привела к изменению всей жизни Англии, сделала ее классической страной капитализма.

Уильям Хогарт

(У.Хогарт) Свадебный договор

Расцвет национальной школы живописи в Англии начинается с Уильяма Хогарта (1697— 1764), в лице которого английское искусство сблизилось с передовой английской литературой и театром первой половины XVIII в.

Больше всего Хогарт любил создавать циклы гравюр или картин, объединённых сюжетом обличи тельного характера. Большой популярностью пользовалась серия гравюр по шести картинам Хогарта под общим названием Карьера шлюхи.

За ней последовали столь же удачные серии: Карьера мота и Модный брак, в которых художник с основательностью бытописателя продолжил рассказ о нравах современного ему общества.

В этих картинах четко проработаны фигуры персонажей и все детали того, что изображено на холсте, прекрасно выстроены композиции, великолепно живописное мастерство. Совсем другой Хогарт предстает перед нами в портретах, особенно если он пишет столь любимые им народные типы, близких ему людей, детей.

Большой удачей художника можно считать групповой портрет детей аптекаря. Картина Дети Грехем вводит нас в полный очарования мир небогатой английской семьи. Хогарт достигает в своих портретах того сочетания внутреннего благородства и непринужденной естественности, которые будут представлять собой одну из характерных черт всей английской портретной живописи.

Джошуа Рейнольдс

(Э.Берн-Джонс) Зеркало венеры

Джошуа Рейнольдс(1723—1792) был крупнейшим мастером английской живописи второй половины 18 века. Лучшую часть его художественного наследия составляют портреты представителей высших слоев английского общества.

Портретист Джошуа Рейнолдс был первым среди английских мастеров, кто учился в Италии, путешествовал по Голландии, Фландрии, Германии и Франции.

Блестящее художественное образование, превосходное знание основных направлений современного искусства позволили ему свободно соединить в своём творчестве черты разных стилей.

Выбирая для портрета тот или иной стиль, мастер учитывал прежде всего характер и род деятельности модели. Рейнолдс искренне заботился о процветании национальной школы живописи. Он начал восстанавливать в Лондоне Королевскую академию искусств (открытая в 1711 г., она позднее распалась) и стал её первым президентом (1768 г.).

Томас Гейнсборо

(Т.Гейнсборо) Голубой мальчик

Томас Гейнсборо (1727—1788) —второй великий портретист XVIII столетия. Тонкое чувство природы, музыкальность, внимание к душевному миру характеризуют Гейнсборо. В своем творчестве художник неизменно стремился показать, что человек и природа едины.

Позднее произведения Гейнсборо теряют наивную простоту работ ранних лет и приобретают более декоративный характер. Он все чаще пишет портреты в рост, в которых явно сказывается влияние творчества Ван Дейка. Колорит его работ становится все утонченнее, а исполнение виртуознее.

В своих портретах Гейнсборо почти никогда не дает типических характеристик, свойственных портретам Рейнолдса.

Его не интересует ни профессия, ни общественная роль изображаемого лица. В каждой модели художника прежде всего привлекает ее духовная индивидуальность, ее настроение.

Отсюда удивительная психологическая тонкость и одухотворенность портретных образов Гейнсборо, который становится одним из самых признанных портретистов Англии, однако всеобщее восхищение вызывали и его пейзажи.

В 1774 году Томас Гейнсборо получает звание придворного художника, его слава соперничает со славой самого Рейнолдса.

Первая половина 19 вв

В Англии раньше, чем в других странах Европы, складывается капиталистический уклад, типичный для 19 века, и сказываются черты буржуазного мировоззрения, в частности и эстетических взглядов.

Развитие реалистического искусства связано с многочисленными факторами культурного роста английского общества.

Имена Блейка и Флаксмана в графике, а главное — живопись пейзажистов определили «лицо» английского искусства первой половины XIX в.

Джон Констебл

(Д.

Констебл) Кукурузное поле

Самое существенное влияние на живопись XIX столетия из английских художников оказал Джон Констебл (1776— 1837) Констебл достигал искусной передачи быстро сменяющихся эффектов освещения, ощущения свежести зелени, жизни каждого предмета как бы на глазах зрителя — благодаря тому, что одним из первых стал писать этюды на пленэре, на открытом воздухе. Художник отбрасывал традиционные нормы и образцы, стараясь сочетать в своей живописи непосредственность восприятия природы с глубоким ее изучением. Стремясь к совершенству в передаче пейзажа, художник дарит ему колористическое богатство, очищая его от глухих цветов. Его жесткий, грубоватый мазок вблизи даже кажется выпуклым. Но если смотреть на картину с расстояния, возникает эффект, делающий изображение совсем живым.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер

(Дж.Тёрнер) Последний рейс корабля Отважный

Типичным романтиком скорее можно назвать другого английского пейзажиста —Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера (1775— 1851), с его гигантскими красочными полотнами, полными световых эффектов.

 В ранних работах художника есть особая эмоциональная искренность, это как бы лирические фрагменты свободного самовыражения человека.

Хотя в основе всех композиций Тернера – даже поздних, даже тех, что сводятся к неясным светлым фантасмагориям,лежит совершенно строго проработанный линейный рисунок, четко обозначающий не только пространственные планы, но и каждый объемный предмет.

Долго самым важным в живописи, помимо сюжета, казалась передача осязаемости, объемности изображаемого, чего можно было добиться пластичностью или четким контуром. А Тернер к концу жизни все перевел в чистый цвет: видимый мир, свет, настроение. Но этот цвет у него никогда не был произвольным, он полон глубокого значения.

Уильям Блейк

(У.Блейк) Иссак Ньютон

Уильям Блейк (1757—1827) мрачные фантазии со сложными аллегориями, религиозно-мистическими символами, отражающие философию творчества художника, его трагическое мироощущение.

Вторая половина 19 вв

Вторая половина 19 вв. В живописи главенствующее положение сохранила академическая школа.

Манера, культивируемая академией, по-прежнему тяготела к наследию старых мастеров и основывалась на использовании коричневой краски. Неглубокие, слащавые с надуманными сюжетами.

Наиболее ярким явлением этой эпохи стало творчество «Братства прерафаэлит».В 1848 году группа художников и поэтов образовала «Прерафаэлитское братство».

Они провозгласили своим идеалом искусство раннего Возрождения, до Рафаэля. Они критиковали буржуазную культуру, выступали против искусства академизма проповедовали отвращение к промышленному перевороту, который привел не только к изменениям в природе, гибнущей под натиском индустриализации, но и к вырождению красоты в повседневной жизни.

Данте Габриель Россетти

(Д.

Россетти) Благовещенье

Художник и поэт Данте Габриэль Россетти родился 12 мая 1828 года в Лондоне. Художественное образование Россетти было отрывочным. Самые значительные свои произведения Россетти создал в 1850е- в начале 1860-х. Под влиянием Уильяма Блейка, его поэзии и мистической живописи, Россетти сумел создать свой особый стиль, символический, декоративный, полный мистических отголосков. Оригинальную композицию Россетти строит на сочетании нескольких крупномасштабных фигур переднего плана, увеличивая размеры полотен, чтобы уместить человеческие фигуры и предметы в их натуральную величину.

Множество предметов и образов составляют фон картины. Детали и персонажи полны глубоко подтекста, скрытого смысла, что предвещает европейский символизм.

Реальные персонажи и детали, как бы выхваченные из жизни, соединялись на заднем плане полотна с фантастическими фигурами и символическими элементами,придававшими композиции ирреальный вид миража. Как и у символистов, герои внешне статичны, углублены в собственные мысли, однако внутренне они исполнены напряженного глубокого чувства, что обнаруживается во взгляде, жесте.

Мастер не боится утрировать пропорции тела или рук, необычных ракурсов, сложных постановок. Краски являлись основой для передачи настроения и чувств, сутью которых были неопределенность и неуловимость. Чистые и ясные, освобожденные от темных тонов, они позволили создать прекрасный мир, наполненный ярким солнечным светом.

Минимальна светотень, цвета локальны, не зависимы от освещения.

Джон Эверетт Миллес

(Дж.Миллес) Офелия

Джон Эверетт Миллес (1829–1896), английский живописец. Родился 8 июня 1829 в Саутгемптоне. В возрасте девяти лет был принят в школу Королевской академии искусств. Вместе с Д.Г.Россетти и У.

Хантом стал одним из основателей «Братства прерафаэлитов» (1848) и воплотил стоявшие перед мастерами «Братства» художественные задачи в картине Лоренцо и Изабелла (1848, Ливерпуль, художественная галерея Уокера).

Эта работа написана в радостных светлых и прозрачных тонах, что не понравилось ни зрителям, ни критикам; ее композиция, несмотря на многие погрешности в рисунке, отличается большой оригинальностью.

Нередко художнику с большим успехом удавалось сочетать разнородные живописные и композиционные элементы в пределах одной работы. Такова картина Офелия (1851–1852, Лондон, галерея Тэйт), в которой мастер изобразил героиню трагедии Шекспира поющей в тот момент, когда воды потока уже почти сомкнулись над ней.

Миллес объединил в этой композиции написанные со скрупулезной точностью цветущие берега реки и портрет модели, позировавшей ему в ванне с водой. В поздний период творчества художник много занимался портретной живописью; когда он выбирал литературные сюжеты и изображал детали по памяти, его работы оказывались менее удачными.

В 1853 он был избран в Королевскую академию художеств, а в 1896 стал ее президентом. Умер Миллес в Лондоне 13 августа 1896.

Берн-Джонс

(Э.Берн-Джонс) Зеркало венеры

Английский художник, иллюстратор, дизайнер. Он должен был стать священником, но увлекся искусством, благодаря, в первую очередь своему однокурснику в Окфордском университете, У.Моррису. Затем он познакомился с Д.Г.Россетти и тот оказал на него большое влияние, как на живописца.

Как и Россетти Берн-Джонсу был присущ эстетический стиль, но его самым большим пристрастием оставался классицизм, что и видно во всех его картинах.

Он очень любил использовать мифологические и мистические сюжеты и ненавидел современные ему течения, как, например, импрессионистов, которые писали по его мнению только “пейзажи и шлюх”.

Его собственные идеи о живописи звучат следующим образом: “В картине я вижу красивый романтический сон, о том, что никогда не было и никогда не будет, который освещен неземным светом и происходит он в землях, в которые никто не определит и не вспомнит. Мое единственное желание – чтобы формы были красивыми”.

Он немного участвовал в выставках до 1877, вскоре стал знаменит и известен за границей. Его творчество оказала значительное влияние на французских символистов, а его нереально красивые женщины нравились публике даже больше, чем более чувственные типы Россетти.

Источники

Источник: http://letopisi.org/index.php/%D0%90%D0%BD%D0%B3%D0%BB%D0%B8%D0%B9%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%88%D0%BA%D0%BE%D0%BB%D0%B0_%D0%B6%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D0%B8

Жанровая живопись XVIII века

Английская живопись

В XVIII столетии центр развития жанровой живописи перемещается во Францию и Англию.

Несмотря на главенство академической эстетики с ее предпочтением круга возвышенных сюжетов, светская живопись продолжала прокладывать себе дорогу, и ощутимо возросла потребность в маленьких «кабинетных» картинах жанрового содержания.

Картины голландских жанристов коллекционировал даже глава Королевской академии художеств Джошуа Рейнолдс, в ежегодных речах в Академии не устававший утверждать превосходство исторической живописи. Новые заказчики в лице среднего класса тем более способствовали появлению национальной школы жанровой живописи.

Уильям Хогарт. Спящая паства.
1728. Институт искусств, Миннеаполис

В Англии XVIII век — время формирования национальной художественной школы, в рамках которой в творчестве Уильяма Хогарта (1697–1724) оформилось и направление жанровой живописи. Хогарт создавал не отдельные картины, а целые серии.

Все его знаменитые ранние произведения включали несколько полотен: «Карьера распутницы» — 6 картин, «Карьера мота» — 8 картин, «Модный брак» — 6 картин.

Все они предназначались для воспроизведения в гравюре, и именно гравюры принесли этим произведениям большую популярность, а художнику — деньги и славу.

Уильям Хогарт. Из серии «История распутника». Утренний прием.
1735. Музей сэра Джона Соуна, Лондон

Вместе с жанром родилась и отличительная особенность английской бытовой картины — ее сатирическая направленность. Все произведения представляют собой критику нравов общества.

Каждая из серий рассказывает определенную историю, ключевые эпизоды которой составляют сюжеты отдельных полотен. Драматургическая подоплека циклов сближает их с театральными пьесами, в том числе с современной художнику английской литературой.

Вполне естественно было, при отсутствии собственной изобразительной традиции, найти опору в смежных искусствах — театре и литературе.

Аналогия с театром намеренно предусмотрена художником — это становится ясно из текста «Автобиографии» Хогарта: «Я… обратился к… новому жанру, а именно к написанию и гравированию современных моральных сюжетов.

Я старался трактовать мои сюжеты как драматический писатель, моя картина — моя сцена, и мужчины и женщины — мои актеры, которые посредством определенных действий и жестов должны изображать пантомиму».

И первый опыт Хогарта в этом роде представлял сцену из только что поставленной и уже снискавшей популярность социально-политической сатиры Джона Гея «Опера нищего», а последующие серии воплотили «пьесы» Хогарта собственного сочинения.

Интересно отметить, что много времени спустя гравюры по картинам Хогарта «Карьера мота» сами легли в основу театральной постановки, составив сюжетную канву оперы Игоря Стравинского «Похождения повесы».

Сатирическая и юмористическая интонации и преимущественное распространение в виде гравюры стали отличительными чертами английского жанра. Направление, заданное Хогартом, продолжили в карикатуре Джеймс Гиллрей и Томас Роулендсон. От их внимательного взгляда не укрылись не только социальные пороки, но и недостатки и слабости современной жизни — мода, манеры, вкус, обстановка.

Джордж Морленд. Охотники за кроликами.
Конец XVIII в. Частная коллекция

Во второй половине века под влиянием эстетики сентиментализма возникает новый, более мягкий стиль. Картины Джорджа Морленда представляют идиллические сцены деревенской жизни, счастливые семейства, связанные узами нежных чувств, невинные детские шалости.

Джордж Морленд.
Путешественники, отдыхающие у гостиницы.

Конец XVIII в. Частная коллекция

К концу века английский жанр становится все более назидательным, отражая мораль среднего класса, предписывающую низшим слоям населения трудиться, в то время как сословие богатых людей занято спортом и охотой. Традиционные скачки в Эпсоме и всевозможные разновидности охоты — сюжеты, именно в Англии получившие особенно широкое распространение в силу повсеместного присутствия их в жизни.

Италия

Алессандро Маньяско. Кощунственный грабеж.
1731. Частная коллекция

Самые причудливые формы обретали жанровые картины у итальянских художников. Генуэзец Алессандро Маньяско, Гаспаре Траверси использовали бытовые ситуации (трапезы монахов, собрание квакеров, темницы) для создания таинственных фантазий, носящих мрачный характер.

Неаполитанец Якопо Черутти писал подчеркнуто натуралистичные изображения нищих и бродяг. «Каприччи» на жанровую тему, в которых реальные фигуры смешивались с фантастическими декорациями, создавал венецианец Пьяцетта.

Повседневная жизнь Венеции с ее концертами, балами, уроками танцев, кофейнями и сценами в Ридотто (игорном доме) нашла отражение в произведениях Пьетро Лонги.

При всем прозаизме его картин они удовлетворяли требованию современников: живопись должна отражать современную жизнь, и сам Гоцци защищал его реализм как равный по совершенству в своем роде исторической живописи Джамбаттисты Тьеполо.

А фрески его сына Джандоменико Тьеполо для семейной виллы в Дзианиго объединили жанровую тенденцию с большим стилем. Поистине только в таком фантастическом городе, как Венеция, могла возникнуть причуда сделать сюжетами стенных декораций не только карнавальные сцены с «пульчинеллами», но и такие сюжеты, как «Прогулка» или «Менуэт», — обычные развлечения обитателей виллы.

Якопо Черутти. Мальчик с корзиной.
1745. Пинакотека Брера, Милан

Джандоменико Тьеполо. Прогулка. 1791. Фреска, снятая со стены. Ка Редзонико,

Музей венецианского искусства XVIII века, Венеция

Джандоменико Тьеполо. Менуэт. 1756. Лувр, Париж

Франция

Настоящее продолжение голландский жанр нашел во Франции.

Стиль рококо — легкий, прихотливый, грациозный, — пришедший на смену величественному классицизму, отразил перемену вкусов аристократии, уставшей от официально-парадной жизни при дворе и отдававшей предпочтение частному существованию.

Небольшие городские особняки, изящно отделанные и обставленные, создавали идеальную среду для развлечений в дружеском кругу собиравшегося здесь небольшого общества.

Голландские и фламандские кабинетные картины вошли в моду среди коллекционеров и оказали заметное воздействие на живопись французских художников.

Самый значительный живописец рококо Антуан Ватто, родом из фламандского Валансьена, и в Париже оказался захвачен живописной стихией рубенсовского искусства — циклом монументальных полотен в честь Марии Медичи, украшавшим Люксембургский дворец.

Ватто в основном писал театральные сцены, разыгрывавшиеся актерами итальянской и французской комедии, и картины в изобретенном им жанре «галантных празднеств», где соединялись реальная жизнь и театр; жизнь аристократии, питавшая эти сюжеты, сама была таким театром в действительности.

Жан Антуан Ватто. Праздник любви.
Ок. 1717. Галерея старых мастеров, Дрезден

В этих картинах ощутимы отголоски пасторальной живописи Венеции XVI в., но более всего — «Сада любви» Рубенса. Только в сравнении с Рубенсом все становится тоньше, изящнее.

«Общество в парке», «Отплытие на остров Киферу (остров Любви, остров Венеры)», «Затруднительное предложение», «Капризница», «Любовный аккорд» — эти и другие картины Ватто представляют общество на природе, в парке или за городом, где человек может пребывать в свободном и естественном состоянии (а для галантного века естественным являлось состояние флирта, любовной игры).

Полотна Ватто пленяют тонкостью колорита и богатством психологических нюансов, настроением легкой поэтической меланхолии, как будто художник смотрел на этот праздник жизни с грустной иронией человека, знающего о скоротечности и бренности удовольствий.

(Возможно, в этом проявилось очень личное отношение Ватто, страдавшего от туберкулеза и умершего от этой болезни в возрасте 37 лет.

) Лишенные этой меланхолической ноты «галантные сцены» Патера, Ланкре и Кийара — учеников и последователей Ватто — при всем мастерстве и грациозности исполнения выглядят легковеснее.

Картина Ватто «Туалет» положила начало эротическим сценам, успешно развитым впоследствии ведущими художниками рококо — Франсуа Буше и Оноре Фрагонаром. Изображение обнаженного женского тела в них появляется вне оправдания каким-либо мифологическим сюжетом; но обусловлено бытовыми жизненными причинами, например переодеванием, сном или купанием.

Жан Оноре Фрагонар. Поцелуй украдкой.
1780. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картины Фрагонара «Поцелуй украдкой», «Счастливые возможности качелей», «Свидание», «Преследование», «Признание в любви» продолжили линию фривольного жанра рококо, обогатив его новыми сюжетами.

Жан Оноре Фрагонар. Счастливые возможности качелей.
1767. Коллекция Уоллеса, Лондон

И если свободная манера письма, жаркий колорит и откровенная чувственность сюжетов ранних работ Буше и многих полотен Фрагонара выдают в них поклонников Рубенса, то в домашних сценах, вроде «Завтрака» и «Утра» Буше или «Урока музыки» и «Любовного письма» Фрагонара, они выступают верными последователями голландских жанристов, развивая распространенные темы и почти дословно повторяя излюбленные композиции Герарда Терборха или Питера де Хоха с группировкой фигур возле стола, приставленного к окну, из которого льется солнечный свет.

Франсуа Буше. Модистка (Утро).
1746. Национальный музей, Стокгольм

Другим полюсом французского жанра XVIII в. были картины, отражавшие жизнь третьего сословия. Уже знакомые нам по голландской живописи моменты жизни дома (молитва перед обедом, возвращение с рынка, служанка, чистящая овощи), но в новом, французском обличье, отмеченном большей тонкостью вкуса и более тесной психологической связью героев, встречают нас на картинах Шардена.

Жан Батист Симеон Шарден.
Молитва перед обедом.
1744.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Большим очарованием полны его картины с изображением детей за различными играми, но они таят в себе и второй смысловой план, ибо карточные домики, мыльные пузыри, крутящаяся юла — известные эмблемы хрупкости, быстротечности детства и юности и жизни в целом.

Влияние идей и произведений Руссо отозвалось в искусстве требованием к художникам не только изображать открытые проявления чувств, но и вызывать в зрителях живой, страстный отклик. На «культ чувств» откликнулся Жан Батист Грёз. Его сентиментальные полотна с театральной патетикой утверждали нормы семейной морали третьего сословия.

В картине «Паралитик» все члены семьи стремятся выразить любовь и скрасить жизнь разбитому параличом главе семейства. Художник строит композицию как театральную мизансцену, мало заботясь об изображении интерьера, напоминающего скорее сценическую коробку.

При всей живости изображенных персонажей в отдельности, вмести они образуют фигурную группу наподобие античного рельефа, что призвано подчеркнуть значительность этого примера истинно морального поведения.

Жан Батист Грёз. Паралитик.
1763. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Источник: https://art.1sept.ru/article.php?ID=200900304

Пейзажная живопись английских художников-романтиков

Английская живопись
Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура XIX века 09.06.2017 13:23 1902

Как известно, романтизм утверждал культ природы и человеческих чувств.

Эта общая характеристика данного художественного стиля приложима к живописцам-романтикамразличных стран, но сегодня мы поговорим только о пейзажном творчестве английских художников. 

Джо́зеф Мэ́ллорд Уи́льям Тёрнер (1775-1851)

Уильям Тёрнер был мастером романтического пейзажа, акварелистом. Его называют предтечей французских импрессионистов.

У. Тёрнер. Автопортрет (1799)
Будущий художник родился в лондонском районе Ковент-Гарден в семье парикмахера. В связи с тяжёлой болезнью матери Уильям жил у дяди в Брентфорде. Там у него проявился интерес к изобразительному искусству. В 1789 г.

14-летний Тёрнер поступил в Королевскую академию, где посещал лекции Рейнолдса, оказавшего большое влияние на Тёрнера. Первые работы Тёрнера были написаны акварелью, а первая картина маслом появилась в 1790 г. Тёрнер постоянно выставлял свои работы в Академии.С 1791 г.

работал художником-сценографом в «Пантеон Опере» на Оксфорд-стрит и подрабатывал, давая уроки.

Как и многие художники, Тёрнер внимательно изучал мастеров прошлого и современных художников, копировал их работы. Восхищался работами Клода Лоррена (французского живописца и гравёра, мастера классического пейзажа).

Картина Лоррена «Отплытие царицы Савской» произвела на Тёрнера такое впечатление, что он даже заплакал от казавшейся ему невозможности написать что-то равное этому произведению.

Клод Лоррен «Отплытие царицы Савской» (1648)
В это же время Тёрнер занялся гравюрой.

У. Тёрнер «Дидона, основательница Карфагена» (1815). Холст, масло. 155,5 х 230 см. Национальная галерея (Лондон)Сюжет картины – из «Энеиды» Вергилия. Дидона, сестра Пигмалиона, царя тирийцев, и жена Сихея, бежала в Ливию после того, как потерпела поражение в борьбе за власть.

Здесь она основала город Карфаген. В картине поражает необычное свечение солнца. Возможно, это результат наблюдений Тёрнером световых эффектов, порождённых извержением индонезийского вулкана Тамбора в апреле 1815 г.

Идеалистический подход в изображении мира в искусстве сформировался у Тёрнера под влиянием Рейнолдса.

Тёрнер много путешествовал, делал зарисовки в Европе (Швейцария, Французские Альпы, Италия), их сохранилось более 10 тыс.
В 1799 г. Тёрнер был избран членом-корреспондентом Королевской академии. В 1801 г. он выставил в Академии картину «Море у Бриджуотера», которая имела шумный успех. А в 1802 г. Тёрнер стал самым молодым художником, удостоившимся звания королевского академика.

У. Тёрнер «Фирвальдштетское озеро» (1802). Акварель. 30,5 × 46,4 см. Британская галерея Тейт (Лондон)
К началу XIX в. в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Он создавал новый тип пейзажа, посредством которого раскрывал свои воспоминания и переживания.

В картины Тёрнер вводил изображения людей в сценах прогулок, пикников, полевых работ, внимательно и с любовью изображая человека. Но в то же время он подчёркивал несовершенство человеческой природы, его бессилие перед огромным окружающим миром иногда спокойным, иногда грозным, но всегда равнодушным.

У. Тёрнер «Кораблекрушение» (1805). Холст, масло. 170,5 х 241, 6 см. Британская галерея Тейт (Лондон)

У. Тёрнер «Снежная буря. Переход Ганнибала через Альпы» (1810-1812). Холст, масло. 146 x 237,5 см. Британская галерея Тейт (Лондон)
Тёрнер создал ряд картин, посвящённых Наполеоновским войнам («Трафальгарская битва», «Поле Ватерлоо»), которые завоевали особую популярность.

У. Тёрнер «Поле Ватерлоо». Акварель
В 1819 г. Тёрнер впервые посетил Италию. Он побывал в Турине, Милане, Риме, Венеции, Неаполе. Изучал работы Тициана, Тинторетто, Рафаэля, современных итальянских художников.

Путешествие в Италию оказало на его творчество сильное влияние: палитра художника стала ярче и интенсивней, появилась венецианская тема, которая сопровождала его творчество долгие годы.

В то же время успехи Тёрнера, его увлечение цветом вызвали критику со стороны современников, предпочитавших реализм и слащавый сентиментализм. Некоторые работы художника, граничившие с абстракционизмом, способствовали его репутации сумасшедшего.

В то же время королева Виктория и Джон Рёскин (английский писатель, художник, теоретик искусства, литературный критик и поэт) считали его «величайшим художником всех времён».

У. Тёрнер «Дождь, пар и скорость» (1844). Холст, масло. 91 х 121,8 см. Национальная галерея (Лондон)
На картине художник изобразил мчащийся поезд. Труба паровоза изображена ярко, а всё остальное тонет и растворяется в золотистом мареве.

На картине только очертания опор моста и лодки с двумя пассажирами. Считается, что на полотне изображён железнодорожный мост Мейденхед через Темзу между городками Тэплоу и Мейденхед.

Это полотно близко к импрессионизму, как и его следующее произведение.

У. Тёрнер «Восход с морскими чудовищами» (1845). Холст, масло. 91,5 х 122 см. Британская галерея Тейт (Лондон)
Картина  написана в духе аллегорически-красочной фантасмагории, наполненной символами и полутонами – туманный ярко-жёлтый расплывчатый восход солнца над бурным серым морем. Скрывающиеся в левом нижнем углу розовые и красные завитки изображают морских чудовищ.

Джон Консте́бл (1776-1837)

Английский художник-романтик. Наибольшую известность ему принесли пейзажи с видами окрестностей Саффолка, откуда художник был родом.

Д. Констебл. Автопортрет (1806). Британская галерея Тейт (Лондон)Констебл родился в семье зажиточного мельника, который также владел небольшим кораблём «Телеграф» для перевозки зерна в Лондон. Своё образование художник начал в интернате Лавенхема, а позднее был переведён в дневную школу в Дедхэме.

После окончания школы Джон работал на мельнице, при этом много путешествовал по окрестностям, где делал зарисовки и этюды.

В 1799 г. Констебл принял решение посвятить себя искусству. Отец его поддержал. В этом же году Констебл поступил в Королевскую академию художеств в Лондоне.

Он тщательно изучал творчество любимых художников: Томаса Гейнсборо, Клода Лоррена, Якоба ван Рейсдаля, Питера Пауля Рубенса, Аннибале Карраччи.

С 1803 г. Констебл выставляется в Королевской академии художеств.

Сюжеты картин Констебл брал из жизни, они представляли собой бытовые сценки, что для его времени не было модным, поскольку в большей моде были романтические сюжеты с дикими пейзажами и руинами.

В 1803 г.

Констебл провёл целый месяц на борту судна Ост-Индской компании «Coutts», на котором посетил несколько юго-восточных портов, а в 1806 г. предпринял двухмесячное путешествие в Озёрный край.

Д. Констебл. Портрет Марии Бикнелл, жены художника (1816). Британская галерея Тейт (Лондон)
Художник писал также портреты, им создано несколько полотен с религиозными сюжетами. Но основными шедеврами Констебла являются пейзажи, особенно окрестности Солсбери.

Д. Констебл «Собор в Солсбери» (1823)
Констебл написал несколько набросков, этюдов и картин с видом на знаменитый средневековый Солсберийский собор. Пластика живой арки, образуемой тенистыми деревьями на переднем плане, эффектно сочетается с изысканностью готического здания вдали.

Такое разделение полотна на два плана (тёмный передний и светлый задний) создаёт эффект «картины в картине». Собор здесь служит не просто изображаемым объектом, а символом национальной истории и гармонии вселенского порядка, что характерно для романтизма.
В 1819 г.

Констебл был принят в Королевскую академию художеств. В 1821 г. на выставке Академии он представил свою картину «Телега для сена». В то время в Лондоне гостил французский художник Теодор Жерико, и ему понравилась картина Констебла. Он пригласил художника в Париж.

Эта картина на Парижском салоне в 1824 г. получила золотую медаль.

Д. Констебл «Телега для сена» (1821). Холст, масло. 82 х 130 см. Лондонская национальная галереяНа картине изображена сельская сцена на реке Стаур между Суффолком и Эссексом.

Считается самым известным полотном Констебла, а также одной из наиболее популярных английских картин.Центральным элементом композиции является пара лошадей, тянущих телегу для сена через реку. Действие картины происходит неподалёку от мельницы Флэтфорд в Суффолке.

Это масштабнее полотно написано к ежегодной летней выставке Королевской академии художеств.

После рождения седьмого ребёнка в январе 1828 г. тяжело заболела и умерла его жена Мария в возрасте 41 года. Констебл очень тяжело переживал её смерть, всю оставшуюся жизнь после её смерти он носил траур и заботился о всех семерых своих детях до конца жизни.В феврале 1829 г.

его избрали членом Королевской академии художеств, а в 1831 г. он был назначен Инспектором Академии, пользуясь большой популярностью среди студентов. Он также читал лекции по истории пейзажной живописи. Эти лекции были популярны у широкой публики.

В своём творчестве Констебл отдавал предпочтение самой природе, а не воображению. Он писал: «Мир безграничен, нет двух одинаковых дней, даже один час не похож на другой.

С момента создания целого мира не было двух одинаковых листьев на деревьях, поэтому подлинное произведение искусства, как и всё в природе, неповторимо».

Д. Констебл «Мост Ватерлоо» (1832)
Одной из величайших его акварельных картин считается «Стоунхендж», с её почти мистической атмосферой в свете двойной радуги. Картина была выставлена в 1836 г.

с небольшим авторским комментарием: «Таинственный памятник Стоунхендж, возвышающийся над голой, безграничной пустошью; памятник, которого мало коснулись события как прошлого, так и настоящего; памятник, который перенесёт вас через все исторические события в неизвестный, загадочный период».

Д. Констебл «Стоунхендж» (1835). Акварель. 38,7 x 59,1 см. Музей Виктории и Альберта (Лондон)После смерти жены в искусстве художника начинают все больше звучать меланхолические и даже трагические ноты. Эпическое спокойствие и величавость композиций сменяется романтической взволнованностью.

В его картинах все больше ощущается близость образам природы у поэтов-романтиков. Живописная манера художника становится более экспрессивной. Он работает большим пятном цвета, порой кладет краску на холст мастихином.

Его работы стали первым опытом масляной живописи, созданной непосредственно на открытом воздухе.

Чтобы передать эффекты света и движения, Констебл использовал технику ломаных мазков, которые он наносил на более светлые участки картины едва заметным касанием, создавая впечатление мерцающего света, обволакивающего весь пейзаж.

Одна из самых выразительных и мощных по силе воздействия картин Констебла – «Изучение морского пейзажа во время дождя», написанная в Брайтоне.

Д. Констебл «Изучение морского пейзажа во время дождя» (1824)С помощью отрывистых мазков тёмного цвета Констеблу удалось передать момент самого сильного периода ливня над морем. Он сумел также передать световые эффекты, возникающие при появлении радуги.

Констебл писал: «Предметы моего скромного, отвлечённого искусства могут быть обнаружены под каждой изгородью, на любой дороге, поэтому никто не считает его стоящим внимания».

Творчество Констебла вдохновляло не только его современников (Жерико, Делакруа), но и представителей более поздних течений: Барбизонской школы, французского импрессионизма, художников конца XIX в.

Источник: http://ency.info/mirovaya-khudozhestvennaya-kultura/izobrazitelnoe-iskusstvo-i-arkhitektura-xix-veka/717-pejzazhnaya-zhivopis-anglijskikh-khudozhnikov-romantikov

ovdmitjb

Add comment